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线条的节奏感

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​赵无极

赵无极一生从未担任过教职,也没收过入门弟子,这27位学生有缘亲炙大师风采,真是何其有幸。他们是来自浙江美院的教师梁铨、许江、章晓明、成南
炎、滕英、俞洋奎、佟振国、陈海燕,该校85届油画毕业班学生孙景刚、刘大鸿、耿建翌、魏光庆、阮杰、李争、陈仁、魏小林、蒋耀辉、王丽华,以及中央美院的吴小昌,鲁迅美院的魏连福,西安美院的刘爱民,四川美院的李正康,湖北美院的尚扬,广东美院的欧洋、曾松麟,天津美院的孙建平,福建师大的李晓伟。

绘画是一种需要

艺术家赵无极的作品画价飙升了近一百倍,他的画连连破亿,已有4件过亿成交。2018年春拍,“赵无极热”在香港拍场持续,成交连创新高。由此引来有一番热议。但赵无极这个天才艺术家却曾经极度叛逆。

这些以往大都因袭苏联社会主义写实主义的中国画家们,著实让“学贯中西”的赵无极头疼不已,经过大师一个月的震撼教育后,学员们以“开刀”来形容心裡的衝击,即使没有脱胎换骨,也终身受用获益良多。

画抽象画也要有功夫的。没功夫的抽象画也是空的,没东西可看。绘画的倾向是自己需要。并不是我说要画抽象就可以画了,而是自己需要画抽象才画抽象。而且,现在抽象画也不是新的东西,是属于五十年代我们那个时代的东西。所以假如你们要画,应该在理解抽象画的基础上,再进一步画别的。

赵无极14岁时就师从潘天寿,潘天寿先生总要他临摹“清代四王”那些古画,他不喜欢临摹,因为他认为中国绘画从16世纪起就已经失去了创造力,只剩抄袭和临摹。

赵无极讲课的主要观点有12则。

有人说画抽象画就是乱画,那是不可能的事。画抽象,画具象,道理是一样的,都有空间、结构、光彩和颜色的问题。你对这方面的认识没有,乱画出来,那是根本没办法的。所以有人说我不敢教抽象派,是我怕同政治有冲突。根本不是这回事。绘画的问题,是一种本身的需要,内心的需要。今天画这,明天画那,简直是变戏法,不是画画。

所以赵无极想方设法逃课,甚至有时从教室的窗子跳出去,还在潘天寿的考试上调皮地囫囵画个大墨团草草了事,气得老师要开除他,多亏了校长林风眠先生把他留下来。

1951年,赵无极在日内瓦第一次看到克利的画,他花了好几个小时细看这些令人叹为观止的符号世界。这个关键的偶遇,让赵无极有了创作上的具体转变,他开始走向符号然后进入抽象的世界。但在转变的初期,他觉得自己成了一个「二流克利」、甚至是「乏味的克利」,而不幸的是,事实就是这样。在不断的修改、毁弃,和重新开始中,赵无极经过两年才找到自己的形体与空间,还有大胆的颜色。

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对于绘画,对于艺术,他总结了一下12条经验。让你真正的了解艺术以及他的艺术作品。

1985年5月,64岁的赵无极受邀回到母校浙江美术学院(原杭州艺术专科学校,现中国美术学院),举办为期一个月的讲习班,来自中国九所美院的27人获淮参加,他们都是当时各美院的“进步教师”,后来也都成为中国绘画界的佼佼者。

《红岩》

1.少就是多

学习绘画12大要点

各人应该用自己的眼睛去看

画画要「经济」,也就是说要能从简单里看到丰富,从少里看到多,但不是表面的多。换句话说,就是简单里要有东西看。

1.少就是多

绘画的问题,根本就是观察的问题,就是用自己的眼睛去看,不要用我的眼睛去看,不要用自己以前的眼睛看。

有的人功夫很好,可他画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。

画画要「经济」,也就是说要能从简单裡看到丰富,从少裡看到多,但不是表面的多。换句话说,就是简单裡要有东西看。

我说你们不是技巧的问题,不想讲。你们的问题是观察的问题,怎么去看的问题。怎么把自己的感情同看到的东西连到手上表现出来,这点最重要。这并不是画的问题,而是观察的问题。因为观察正确,就是每个人都有每个人自己的观察办法,每个人的作风就不一样。假如每个人的观察都是清一色的,画出来的就都是一个样,像是从一个模子里出来的。你看,一个妈妈生八个孩子,八个孩子脾气都不一样。为什么你们画画都是一样的,这个没道理!

好的画,就算他自己画得累,可别人却看不出他累。就像林布兰的画,画时并不是不累,但是人家看得不累,是精采的好画。

有的人功夫很好,可他画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。

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中国古代的好画也是这样,比如范宽(北宋,990~1020),他功夫很好,但你觉得松得很,看得很舒服;倪云林(倪瓒,元末,1301~1374)也是,淡淡几笔,却表现了很多东西。

好的画,就算他自己画得累,可别人却看不出他累。就像林布兰的画,画时并不是不累,但是人家看得不累,是精采的好画。

《花鸟》

怎样既画得简单,又包含很多东西呢?就是要「中肯」。如果中肯,力量就大,不中肯,摆了很多东西也没用。

中国古代的好画也是这样,比如范宽(北宋,990~1020),他功夫很好,但你觉得鬆得很,看得很舒服;倪云林(倪攒,元末,1301~1374)也是,淡淡几笔,却表现了很多东西。

画人体,不是光勾个线就行了,不那么简单。你们要好好地去看。有的地方冷,有的地方热,前面后面都有关系,你们得自己去找出这些关系。比如,身体的这条线到那条线就不一样,你们细细地找会看得出来。你们平时画人体,都是嘣嘣嘣,看也没有看。而画画最要紧的是观察。观察变了,画的办法也变。……以前你们不找关系,画裸体,画完人体就完了,人体和周围环境没关系,背景总是黑色或咖啡色,根本没考究。现在我要你们用自己眼睛看,动动脑筋,不要老是把成见画出来。

你们画画总是注意小的东西,啰里啰嗦,我总是要求你们单纯、再单纯、简单、再简单。

怎样既画得简单,又包含很多东西呢?

画时要多用眼睛,少用习惯。我现在是想办法破你们的习惯,不过你们的习惯不太容易破。

2.看整体,不是看小趣味

就是要「中肯」。如果中肯,力量就大,不中肯,摆了很多东西也没用。

现在你们的画有个毛病,就是不看签名好像是一个人画的。我现在就是要把这点改变过来,发展你们每个人的个性。我是主张每个人都要有自己的个性。所以我改画时,都是照你们的办法改,把你们好的地方提出来,坏的地方淘汰掉。这样做,我教课就得辛苦一点。如果让你们都照我的办法去画,不得了,一个模子出来的,就糟了。……我希望你们每个人自创出一个作风,越来越画得不一样,二十七个人,应该有二十七个个性。

画画其实不需要那么多的理论,我觉得理论越少越好,只要能把眼睛和手结合起来就好了。然后要学会观察和控制画面,画的时候一开始就应该整个来,不要一开始就找小趣味。比如画人体,起稿时要把人体连同背景一起画,不要单单地画人体,否则关系不容易找到。

你们画画总是注意小的东西,萝哩萝唆,我总是要求你们单纯、再单纯、简单、再简单。

画画,不过就是表现自己。你们受的教育恰恰相反,不要表现自己。现在我就是想把你们每个人的个性拉出来,有个出路。……最重要的是坚持你自己,为自己画画。

一笔动,整个画面都动。这里动,别的地方要呼应,要连起来画。格局不打破,就根本没办法画,非打破不可。

2.看整体,不是看小趣味

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你们常会优柔寡断,没有信心。不要管它,画下去再说。动一笔算不了什么,「刷!」刮掉就行了。不要为了一笔好,让别的将就它,这是个大毛病!

画画其实不需要那么多的理论,我觉得理论越少越好,只要能把眼睛和手结合起来就好了。然后要学会观察和控制画面,画的时候一开始就应该整个来,不要一开始就找小趣味。比如画人体,起稿时要把人体连同背景一起画,不要单单地画人体,否则关系不容易找到。

《静物》

改画的时候,也要整个改,不要将就一两笔。看这里一笔好,就照这个地方搞,这是不可能的事情。整个好,才是好!

一笔动,整个画面都动。这裡动,别的地方要呼应,要连起来画。格局不打破,就根本没办法画,非打破不可。

要让绘画呼吸

有了整体后,再来求变化,但是要注意这个变化不要牺牲了整体的感觉,也就是说,要保持整体,在里面变化。

你们常会优柔寡断,没有信心。不要管它,画下去再说。动一笔算不了什么,「刷!」刮掉就行了。不要为了一笔好,让别的将就它,这是个大毛病!

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情摆进去,让画面同你一道呼吸。

3.重要的是节奏

改画的时候,也要整个改,不要将就一两笔。看这裡一笔好,就照这个地方搞,这是不可能的事情。整个好,才是好!

绘画的问题,是想办法思考一下自己,好像和尚静养一样,把世界上什么东西都忘掉,把主题忘掉,就把你自己摆进去。让你本身,你的感情同画面直接连起来,等于恋爱差不多,双方发生接触的关系。你给画呼吸,画也帮助你呼吸。

要小心,到处都是一样的效果,就没效果了!画里重要的是节奏,不要总是温吞水。有静,有动,不能到处都动,动的太多,就要拿静来陪衬。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

有了整体后,再来求变化,但是要注意这个变化不要牺牲了整体的感觉,也就是说,要保持整体,在裡面变化。

画面要有紧有松。到处紧——透不过气来;到处松——就空洞。世界上事情都存在着对比。音乐总有停的时候,中国画里也有休息的空白的地方,这个很重要。不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。……还要有静有动。不能到处都动。到处动,就乱了。动的多,就要静来陪衬。画的各方面都有联系,不能画布是布,画腿是腿。你要把它们连起来。

画时各方面都有联系,不是画布看布,画人看人,要一起画,不要把布和人分割开,它们之间都有连带关系。

3.重要的是节奏

你们有的是松得太多——空,有的是实得太厉害——死。这两个之间怎样找到一个中间的办法,使它变化多一点。……这里复杂,那里就该安静些,要不就乱了。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

所有的画,不是功夫好就能画好,画到一定的程度时,应当把功夫忘掉。你们有功夫,但画面到处都紧,紧得透不过气来,应该有松有紧,比较得多,层次就多。你们画的色彩却又太简单,要注意亮的地方不要都一样亮,灰的地方不要一样灰,深的也不要一样深,那么你们的画面效果就变化无穷了。

要小心,到处都是一样的效果,就没效果了!

我的大纲很简单:单纯而有内容。我们要经济些,就是简单里看到丰富,少里看到多,而不是表面的多。换句话说,简单不是没东西的简单,简单里面要有东西看。有人功夫很好,可画的画让人看了累得不得了。他画得累,看的人更累。好的画,他自己画得累,可别人看不出你累。伦勃朗的画,画时并不是不累,但人家看得不累。中国古代的倪云林也是,淡淡几笔,表现很多东西。

4.画要能呼吸

画裡重要的是节奏,不要总是温吞水。

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你们一开始要做到简单,再从简单之中慢慢丰富起来,丰富之后再把不要的东西去掉,这就是画家本身怎样选择的问题。

有静,有动,不能到处都动,动的太多,就要拿静来陪衬。好像唱京剧,总是唱高调,就单调了。

《山水》

构图最重要的就是空间关系,假如没有空间,你的画就松不了,动不了。空间关系多就活,不然的话就呆。你们的画常感觉是停在那里,没有动的感觉。你们用笔也总有停的感觉,笔像是「摆」着画,笔不要用得太死,要活一点。用笔的方法也不能都一样,有轻、有重,有稀,有厚,这样变化就多了。

你看,这背景一静,裸体就出来了。刚才那张人体的后边太厚,人们的眼睛就会被吸引过去。

慢慢地来,要整体而有变化。这个变化要保持整体,在里面变化。动笔的时候,不要单单动一个部分,而是四方面都要看,不停地看。因为动一笔,到处都要动。绘画是整体的不是部分的。

画面要有紧有松。到处紧透不过气来,到处松就空洞。世界上的事物都存在着对比,音乐总有停的时候,中国画也有休息的地方留白。

画时各方面都有联繫,不是画布看布,画人看人,要一起画,不要把布和人分割开,它们之间都有连带关系。

我希望你们的画本身要动,而你们用笔总有停的感觉,我让它动起来……这块颜色不能孤立,应该连起来。现在,我不是恭维你们,你们的画已经在动了,已经有生气了,不再是死的样子了。

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

所有的画,不是功夫好就能画好,画到一定的程度时,应当把功夫忘掉。

临画也要有自己的主张,要去理解大师画时的心境。不要抄,不要临表面的结构,要临他的呼吸,精神。

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情放进去,让画面同你一道呼吸。

你们有功夫,但画面到处都紧,紧得透不过气来,应该有鬆有紧,比较得多,层次就多。你们画的色彩却又太简单,要注意亮的地方不要都一样亮,灰的地方不要一样灰,深的也不要一样深,那么你们的画面效果就变化无穷了。”

用笔的方法都不能一样,有轻,有重,有稀,有厚,那么变化就多了。……我平常就是画很细的东西也用大笔。中国笔有好处,画水墨时我总是用斗笔。油画笔不大容易,那么就要靠你的力量,这样子提起来,又这样子拖,转,各种方法都要运用。重要的是把自己的呼吸,自己的感情连到手上表现出来。

5.用自己的眼睛看世界

4.画要能呼吸

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绘画不仅是画的问题,重要的是观察方法的转变,就是要用自己的眼睛去看,不要用别人的眼睛去看,也不要用自己以前的眼睛去看。要知道,你们并不是技巧上的问题,而是观察出了问题。

你们一开始要做到简单,再从简单之中慢慢丰富起来,丰富之后再把不要的东西去掉,这就是画家本身怎样选择的问题。

《蚀刻》

怎么把自己的感情同看到的东西在手上表现出来,这点最重要。每个人都有每个人自己的观察方法,每个人的风格就不一样。假如每个人的观察都是清一色的,画出来就都是一个样,像是从一个模子出来的。

构图最重要的就是空间关系,假如没有空间,你的画就鬆不了,动不了。

画画没有一定的方法

一个妈妈生八个孩子,八个孩子脾气都不一样,为什么你们画画却都是一样的?

空间关系多就活,不然的话就呆。

绘画这个问题,到了布上以后再说。不要先想得太多,先想了没用。如果你的画还没画以前就知道该怎么样怎么样,那有什么意义?好像你订起计划来同某某小姐恋爱,今天我送花,明天嘛我送点什么东西,后天打算同她接吻……都是靠不住的呀!画画跟恋爱一样,不能自己先算好一套。你先想好送花、接吻,结果她给你两巴掌,那你怎么办?又重新开始?又去买花……所以绘画的问题,不是自己心里先想好,而是人同画面接触的关系。

你们的技巧和功夫都很好,问题是观念没打开,并没有真正地用你们自己的眼睛看世界,并没有把你们每个人的本性都发挥出来。

你们的画常感觉是停在那裡,没有动的感觉。你们用笔也总有停的感觉,笔像是「摆」著画,笔不要用得太死,要活一点。用笔的方法也不能都一样,有轻、有重,有稀,有厚,这样变化就多了。

画画不要自己限制自己,不要说这里应该是什么颜色。你看人体本身有很多很多颜色,要你自己去发现。不要自己有个成见地去画,不要先有个主张。每张画有每张画的问题,不要把所有的画都觉得是一样的问题。这一点“想法”一定要破掉。

我希望你们越画越不一样,一个人创出一种作风来。这并不在于你怎样画,而是在于你的观点,假如你看不见,当然你就画不进去。

画面要有紧有鬆。到处紧-透不过气来,到处鬆-就空洞。世界上的事物都存在著对比,音乐总有停的时候,中国画也有休息的地方-留白。

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6.要找自己的麻烦

不懂画的人,总希望画是满满的,不知道透气。

《图腾》

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

画画同呼吸一样。人需要呼吸,不呼吸活不下去,绘画也要呼吸。你要把你自己的感情放进去,让画面同你一道呼吸。

我希望你们将来教书,也要让学生自己发现问题,每张画都有问题解决。不要让他们没有问题,没问题就不能进步。画到哪个样子,我都能想得到,那就糟糕了。每张画的问题都是一样,本身没有冒险,画没画完就知道怎么完成,那就毫无意思了。

这地方好,那地方坏,这地方应该多一点,那地方应该少一点,每一笔都自问是不是对的。能做到自检,就能经常发现自己的问题。你们若想要进步,就应该不停地给自己提出问题,每个人总有不完善的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。

5.用自己的眼睛看世界

我觉得每个颜色都很好看。从前印象派不用黑的颜色,现在根本没有这个观点,黑的颜色用得很多。颜色本身没有好坏之分,问题是你怎样处理。以前中国讲:“黄配紫,一滩屎”,其实黄配紫很好看。以前还讲,画竹子不能打叉,其实这个也没有一定的道理,还要看你怎么处理。

我画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住再拿出去。靠不住,我就不签名,不出去。画出去了,收都收不回来。你若已经有点名气,那问题就更多。我每次展览都是提心吊胆的,每件作品都是经过反覆推敲才拿出去展的。

绘画不仅是画的问题,重要的是观察方法的转变,就是要用自己的眼睛去看,不要用别人的眼睛去看,也不要用自己以前的眼睛去看。

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我不是个聪明人,除了画画,我什么事都不会干。做一个艺术家别把自己估计得太高,总是估计低一点好。因为这工作是一辈子的事,做到40岁时有40岁的问题,做到50岁时有50岁的问题。你画得多了后,就容易形成自己的一套,这时更要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

要知道,你们并不是技巧上的问题,而是观察出了问题。

《小桥流水》

干艺术家最辛苦,总是要自己给自己找麻烦,自己对自己有疑问。你一旦放弃对自己的批判,你就无法进步。

怎么把自己的感情同看到的东西在手上表现出来,这点最重要。每个人都有每个人自己的观察方法,每个人的风格就不一样。假如每个人的观察都是清一色的,画出来就都是一个样,像是从一个模子出来的。

画家要能够做到自我批评

7.胆子要大,观念要新

一个妈妈生八个孩子,八个孩子脾气都不一样,为什么你们画画却都是一样的?

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。我希望我走了以后,你们都有一个自我批评的眼光,自己能看出画的好坏,自己能判断什么地方好,什么地方坏。这样,你就有工作可以做了,你的画也就可以慢慢长进。

如果你们画画老圈套老伎俩太多,画每张画都先有个成见,那画出来的画一定和你以前的没两样。画小稿是没什么用处的,好像后面是在放大抄写小稿,会失去画面的偶然效果,画画如果没有意外,那就没有意思了。

你们的技巧和功夫都很好,问题是观念没打开,并没有真正地用你们自己的眼睛看世界,并没有把你们每个人的本性都发挥出来。

你们要使自己的画进步,就应该不停地给自己提出问题。没有问题,那就糟糕了。每个人总有不完全的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。有的人照镜子,总是“哎呀!我多漂亮!”也有的人越照越觉得自己丑。总觉得自己漂亮,不是办法。总觉得自己丑,也不是办法。最重要的是自己知道自己的好处坏处,这一点很要紧。

在我看来,从16世纪起中国画就失去了创造力,画家只会抄袭汉代和宋代所创立的伟大传统。中国艺术变成技巧的堆砌,美和技巧被混为一谈,章法用笔都有了模式,再也没有想像和意外发明的余地。

我希望你们越画越不一样,一个人创出一种作风来。这并不在于你怎样画,而是在于你的观点,假如你看不见,当然你就画不进去。

画家最主要的工作是选择,就是怎样把最精彩的东西选出来,同时把不好的东西去掉,哪里该松,哪里该紧,这就需要有自我批评的观点。……所以艺术家最辛苦,总是要自己给自己找麻烦,自己对自己有疑问。这种自我批评的观点不能取消。不然,你就没进步。所以我的画画完以后,总要在家里放两个月,觉得靠得住,再拿出去。靠不住,我不签字,不出去。你已经有点名气,那问题就更多。画出去了,收都收不回来。人家说,他画的就是这副样子。所以每次展览会,我都是提心吊胆。你变得太多,他说你不知在干什么;你不变,他说你老画这一套。在外国,他们能搞你一下,是最高兴的了。所以我在巴黎,每件作品都是经过反复推敲才拿去展出。

中国的教育建立在记忆之上,学习写字和书法必须经过长期的重复动作,而所有的学院主义都来自重复。绘画正是要避免这个陷阱。要是在1935年,杭州美专的老师就教我这些,我该节省下多少领悟这些道理所费的时间啊!

(延伸阅读:赵无极后来在他的回忆录裡说,在浙江美院客座期间,他感到自己撞上了“苏联社会主义现实主义”这个庞然大物,而这个大怪物已将一切创造

我说他的画又画死了。我不知道他自己知不知道画死了。假如不知道画死还满意,就糟糕了。如果他能差不多知道,哎呀毛病又来了,那就有办法了。假如没有自我批评的观念,就是画下去越画越多,也是越画越死。这实际上还是观察的问题。

马蒂斯教别人时总是说:新呀,新呀,要新!什么是新?不是那种表面效果的新,而是通过深刻观察思考之后,才把你引到一条新的道路上去。

力碾平了。他激动地说,“中国有灿烂的文化和历史,有精妙绝伦的绘画,根本无须向那些灰褐色基调的死板愚蠢的画面求教。”“我的学生们或许忘记了,也或许

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油画的问题是要画得自由,但难的是如何理解和表现自由。老实讲,我从1935年开始画油画,一直到1964年用了30年的时间才真正懂得油画自由表现的方法,因为油画有各方面的技巧,要适合你自己的需要,你的绘画技巧是为了帮助你自己达到表现的意愿。总之,技巧是第二位的问题,每当你有了新的绘画观点,你的技巧也就会跟著你的观点去变化。

根本就不知道宋代绘画的空间感和构图的高妙。他们不会用自己的眼睛去看,去细细观察。”)

《连理》

8.体察内心的需要

6.要找自己的麻烦

绘画不过是借题发挥

把我们的绘画从写实的影响下抽象出来,是一种需要。驱使我的唯一动力,是在寂静的画室中,手拿画笔和颜料,面对一张空白画布这一需要。

一个艺术家最重要的是自我批评,就是要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

我让你们画人体,是想让你们去画那里的光、组织,不要去想它是裸体。画人体不过是借题发挥。其实画静物,画什么都可以。

一个画家总觉得有话要讲,总觉得画不完,那就变成一种需要,这是画家最重要的动力。绘画的倾向是因为自己的需要,并不是我想画抽象就可以画了,而是自己真正需要画抽象才抽象。况且抽象也不是什么新的东西,是属于50年代的东西,所以你们假如要画,应当在理解的基础上再进一步去画别的。

这地方好,那地方坏,这地方应该多一点,那地方应该少一点,每一笔都自问是不是对的。能做到自检,就能经常发现自己的问题。你们若想要进步,就应该不停地给自己提出问题,每个人总有不完善的地方,问题是你看得清楚还是看不清楚。

画画就是借个题目,把自己心里想讲的东西讲出来。这就是创作。

不是我不敢教你们抽象画,因为绘画创作是一种需要,一种自身的需要,内心的需要。你没有这种需要,硬要变,变不了,硬要新,新不了。你们基本的观察方法改变后,觉得自己这样画不够了,内心提出了需要,就会创出新路子。

我画画完以后,总要在家裡放两个月,觉得靠得住再拿出去。靠不住,我就不签名,不出去。画出去了,收都收不回来。你若已经有点名气,那问题就更多。我每次展览都是提心吊胆的,每件作品都是经过反覆推敲才拿出去展的。

你们太注意主题了。要知道,模特儿只是一个借题,你不应该是画她,而是借她来抒发你的情感。你不能做她的奴隶,不是她主宰你,而是你主宰她。你们一见模特儿,就怕得要死。颜色上去很多,结果都是灰的。要保持新鲜感呀!你们要记住这句话,就是绘画中所有东西都是个借题,不过是借它来表现自己。应该老是对自己说,管他是什么,我画我想画的东西。也就是借它这个题目,来做我的文章(插话:我国传统画论中也讲究“得意忘形”,意思也是借题发挥。)老子讲过“大象无形”,这就是真正绘画的道理。

画抽象,画具象,都一样有空间、结构、光线和颜色的问题。具象和抽象之间有共通的道理,重要的是获得新的观念。

我不是个聪明人,除了画画,我什么事都不会干。做一个艺术家别把自己估计得太高,总是估计低一点好。因为这工作是一辈子的事,做到40岁时有40岁的问题,做到50岁时有50岁的问题。你画得多了后,就容易形成自己的一套,这时更要不停地自己讨论自己,自己批评自己。

我现在用模特儿,不过是借模特儿做个参考,我改画时可以有个根据。根据她,可以搞出色彩关系来。

作画家,就得接受周期性阵痛,今天或许高兴,明天可能痛苦,但是决不能失望。作画的力量从未离开过我,我也从未逃跑或放弃。今天,我回顾自己的历程,觉得这股绘画的力量始终是一致的,我一直忠于自己的初衷,未曾逃避困难,也未曾以熟练的技巧去迎合创新的需要。

干艺术家最辛苦,总是要自己给自己找麻烦,自己对自己有疑问。你一旦放弃对自己的批判,你就无法进步。

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9.忠于自己,不要自欺欺人

7.胆子要大,观念要新

《山水意向之一》

“你想画画?那就先割掉你的舌头,因为从此你只能用画笔来表达。”想画画,就要有马马蒂斯这样的觉悟。

如果你们画画老圈套老伎俩太多,画每张画都先有个成见,那画出来的画一定和你以前的没两样。画小稿是没什么用处的,好像后面是在放大抄写小稿,会失去画面的偶然效果,画画如果没有意外,那就没有意思了。

艺术不能脱离传统

50年来,我每天沉浸于挥洒作画,作画成为我打开通道进入另一个世界的一种仪式。在那个世界里,我试图建立秩序。这有时易如涂鸦,有时又灵感全无,眼前一片空白,或者只看到艰难困苦,和一想起来就令我害怕的旧画法。

在我看来,从16世纪起中国画就失去了创造力,画家只会抄袭汉代和宋代所创立的伟大传统。中国艺术变成技巧的堆砌,美和技巧被混为一谈,章法用笔都有了模式,再也没有想像和意外发明的馀地。

每一个时代都有好的画家。德加的素描很好,库尔贝的画也很好。后来有塞尚,梵高,高更,几个印象派杰出的画家中,莫奈的画影响很大。现代绘画中影响最大的是塞尚,康定斯基,蒙德里安,莫奈。所以我们不能推翻过去的传统,反对传统是不对的,而应该从传统中接受最好的东西,怎样消化,变成自己的东西。

画家要有忠实、诚恳的性格,假如对自己说谎,是不能做一个画家的。所以绘画的问题,也是一个道德观念的问题。不要骗人家,不要硬求新,要经常考虑自己的画要实在,要有深厚、永久的性格。

中国的教育建立在记忆之上,学习写字和书法必须经过长期的重複动作,而所有的学院主义都来自重複。绘画正是要避免这个陷阱。要是在1935年,杭州美专的老师就教我这些,我该节省下多少领悟这些道理所费的时间啊!

我的祖宗很多。我受影响最大的,照我自己看,不讲古代讲现代画家,最重要的还是塞尚、马蒂斯。我觉得他们是真正严肃的画家,给了我很多启示。尤其马蒂斯写自己经验的日记,给我很多教训,等于是圣经一样。……塞尚很杰出,现代绘画就从他开始,没有塞尚,毕加索不会出来。我从塞尚的空间处理得到启发。他有幅画,画中山天连在一起,很像中国画,山与天的接触完全同西洋画不同。我对塞尚非常感激。因为塞尚是指路的画家,还有毕加索,马蒂斯,蒙得里安都是指路性画家。而那些跟从的画家只可说是好的画家。这就是伟大画家和好画家的区别。

艺术家最好的镜子是对自己忠实。要反省一下在自己的作品中有没有说谎话,有没有取媚、讨好人,这点很重要。你们要走哪条路,就自己走,用不着别人来告诉你。

马蒂斯教别人时总是说:新呀,新呀,要新!什么是新?不是那种表面效果的新,而是通过深刻观察思考之后,才把你引到一条新的道路上去。

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绘画是一辈子的事情,像做和尚一样,要不停地画,不停地画,一天都不能停。我能够生活,我要画画,我不能够生活,我也要画画。一个人选定了画家这个职业就苦了,所以,你要是吃不了苦,还是找别的事干吧。
画画这个事业是这样的,上坡、下坡、上坡、下坡,不会是一直上去的,高的时候不要得意,低的时候不要灰心。像患了精神病差不多,有时好一点,有时坏一点。

油画的问题是要画得自由,但难的是如何理解和表现自由。老实讲,我从1935年开始画油画,一直到1964年用了30年的时间才真正懂得油画自由表现的方法,因为油画有各方面的技巧,要适合你自己的需要,你的绘画技巧是为了帮助你自己达到表现的意愿。总之,技巧是第二位的问题,每当你有了新的绘画观点,你的技巧也就会跟著你的观点去变化。

《海滩》

10.远离低级趣味

8.体察内心的需要

我对中国的传统一直很尊敬,中国好的东西实在太多,如商周铜器,唐宋瓷器,书法,绘画等。……传统不能拒绝。我们的民族传统很丰富,是个很幸运的民族。

现在你们的画还有个主题的问题,是想让别人看得懂,这个问题也要看是在什么程度上给什么人看,有的人看不懂,有的人会看懂,取决于每个人的文化理解程度。

把我们的绘画从写实的影响下抽象出来,是一种需要。驱使我的唯一动力,是在寂静的画室中,手拿画笔和颜料,面对一张空白画布这一需要。

有许多人喜欢学人家的外表形式。你学他那些有什么用?一个创造性的画家总是在变,在演进。你临他都没办法临,跟不上。不过,你们对传统的东西应该借鉴。中国那么多的传统,不好好利用那太可惜了。不了解传统,就没法进步。先人已给你达到一定的程度。没有印象派,野兽派和表现派就不可能出现。

最重要的是坚持你自己,为自己画画。画画是自己的语言,你把自己的语言讲出来,要尽量明了中肯,啰哩啰嗦的别人就听不懂。当然,有的时候只要自己懂就行了,以后别人也会慢慢了解的。

一个画家总觉得有话要讲,总觉得画不完,那就变成一种需要,这是画家最重要的动力。绘画的倾向是因为自己的需要,并不是我想画抽象就可以画了,而是

中国传统方面精神的东西很多,比如书法啦,瓷器啦。铜器方面有很妙的东西。看你喜欢什么东西,对它研究得深不深。中国唐宋瓷器也好得很,问题是怎样拿过来,不是生吞。……我一直讲模仿的问题,是要吸收消化。模仿不是抄呀!你们抄的事太多了,还要抄,我现在要你们创作。

你们要想办法闭上眼睛,不要看低级趣味的东西,自己画自己的。

自己真正需要画抽象才抽象。况且抽象也不是什么新的东西,是属于50年代的东西,所以你们假如要画,应当在理解的基础上再进一步去画别的。

图片 13

说到艺术欣赏,假如看不到国外的东西,你就多看中国的好东西。中国的好东西很多,你可以在商周铜器里发现好东西,在唐宋陶瓷里发现好东西。艺术这事,总是要往高看,不要往底下看。

不是我不敢教你们抽象画,因为绘画创作是一种需要,一种自身的需要,内心的需要。你没有这种需要,硬要变,变不了,硬要新,新不了。你们基本的观察方法改变后,觉得自己这样画不够了,内心提出了需要,就会创出新路子。

《秋韵》

还有,也不要去将就别人的趣味,因为别人的趣味又有什么标淮呢?你在十个人里面也不能讨好两个人吧,何必呢!我们在法国画画也是不容易讨好人的,不要以为法国人的艺术品味就高,一般的人都是差的,什么国家都一样,只有很少的人能够懂你的画的。不要因为你成名了就会有很多的观众,没有这么简单的事情,说有很多人懂你的画,那是骗人的。

画抽象,画具象,都一样有空间、结构、光线和颜色的问题。具象和抽象之间有共通的道理,重要的是获得新的观念。

美学的观点常常跟着时代在变。文艺复兴寻找的美同我们寻找的不一样。不过讲穿了,所有世界上最好的画,最好的杰作,就是换了时代还是存在,不会倒。比如伦勃朗的画,还一直是最好的画。不过你要把它放在十六世纪去看,不能现在还画十六世纪的画。……我们应该对各方面影响,可以得到的,都应该接受。那些观念上的东西,对艺术创作都有关系。一个人生活在二十世纪,对二十世纪的文化不了解,不愿意了解,我觉得根本不妥。艺术创作,应该与时代有关系。

总之艺术不能脱离传统,不能仅仅追求时髦,一切要等五十年或一百年后再做定论。

作画家,就得接受週期性阵痛,今天或许高兴,明天可能痛苦,但是决不能失望。作画的力量从未离开过我,我也从未逃跑或放弃。

在中国传统中,石涛八大是两个例外(谈到绘画中的抽象因素)。在当时十八世纪画家中,只有这两个例子是特别的。十八世纪可以说是世界绘画运动中一个比较脆弱的创作时代,但总是有特别人材。比如法国有华多,夏尔丹,在西班牙有戈雅,在英国有透纳。

11.不要抄,要消化

今天,我回顾自己的历程,觉得这股绘画的力量始终是一致的,我一直忠于自己的初衷,未曾逃避困难,也未曾以熟练的技巧去迎合创新的需要。

近代欧洲画家,美国画家受中国影响很多。而我们呢,却受苏联影响……中国绘画为什么进步小?还在仿唐宋的味道!而唐宋的画家也是在自然生活中体会东西,并不是抄东西。为什么我们还在抄东西?中国这么多传统,非常深厚,非常非常丰富的传统,每个人只要拿出一部分自己最喜欢的,对自己性格最接近的,把它消化,然后把学到的西洋的东西,要拿好的东西,不要收他们旧的东西,把两方面最好的东西合起来,然后再加上自己的个性,慢慢地自然而然地融合起来,那你的作风就有了。这其实是本身消化的问题,看你能不能选择,不好的不要,把好的拿过来。

当你模仿时,你是不会了解自己的,不会懂得发掘并表现自己的不同。

赵无极说,“历史就是这样把我推向了遥远的法国,让我在那裡生根安居,然后又让我重返中国,使我内心最深处的追求终有归宿。”

原题《赵无极谈绘画》

不要重复前人,也不要重复自己,那将腐蚀你的创造力,成为一种反覆使用的既定程式。

9.忠于自己,不要自欺欺人

孙建平、黄河清整理摘编

你看中国的书法也是在不停地演变,石鼓文,篆,隶,楷,草……
为什么现在的书法没有以前的好呢?当然是创造精神比较少的关系,是受到王羲之、米芾的限制太多了。

“你想画画?那就先割掉你的舌头,因为从此你只能用画笔来表达。”想画画,就要有马谛斯这样的觉悟。

刊于《新美术》1985年第3期

中国画为什么进步不大,还在仿唐宋的味道?唐宋的画家也是在画自然生活中体会到的东西,并不是抄别人。为什么我们还在抄?

50年来,我每天沉浸于挥洒作画,作画成为我打开通道进入另一个世界的一种仪式。在那个世界裡,我试图建立秩序。这有时易如涂鸦,有时又灵感全无,眼前一片空白,或者只看到艰难困苦,和一想起来就令我害怕的旧画法。

我们中国有非常深厚丰富的传统,比如商周青铜器,汉魏的石刻玉器,唐宋的绘画书法这一大套。中国这么博大的传统若不好好利用,岂不太可惜了。

画家要有忠实、诚恳的性格,假如对自己说谎,是不能做一个画家的。所以绘画的问题,也是一个道德观念的问题。不要骗人家,不要硬求新,要经常考虑自己的画要实在,要有深厚、永久的性格。

每一个人只要从中找出一部分自己最喜欢的,跟自己性格最接近的,把它消化;然后再学习西方好的东西,而不要他们俗媚的东西。把东西两方面最好的东西结合起来,再加上自己的个性,慢慢地自然而然地融合起来,那你的风格就会有了。

艺术家最好的镜子是对自己忠实。要反省一下在自己的作品中有没有说谎话,有没有取媚、讨好人,这点很重要。你们要走哪条路,就自己走,用不著别人来告诉你。

临画是要去理解作画人当时的心境,不要抄,不要临表面皮毛的东西。比如中国画,不要仅仅临结构,要临他的呼吸和精神。要去理解认识塞尚,马蒂斯,毕卡索,不能只学人家的外表形式。一个创造型的画家总在变,你临他的外表是跟不上的。

绘画是一辈子的事情,像做和尚一样,要不停地画,不停地画,一天都不能停。我能够生活,我要画画,我不能够生活,我也要画画。一个人选定了画家这个职业就苦了,所以,你要是吃不了苦,还是找别的事干吧。

12.面向你的时代

画画这个事业是这样的,上坡、下坡、上坡、下坡,不会是一直上去的,高的时候不要得意,低的时候不要灰心。像患了精神病差不多,有时好一点,有时坏一点。

我觉得现在绘画的问题不是中国或者欧洲和美国的问题,而应当是国际性的问题。所以中国画和西洋画不应当分得太清楚,而是应该在一起考虑,西方的素描是基础,我们中国画毛笔字是基础,我觉得中国画和西洋画没有冲突,可以互相帮助,互相补充,分得很清是不通的。不能说我是我画水墨的,你是画油画的,他是做雕塑的……

10.远离低级趣味

我以为有两种画家,一种是地方性的画家,一种是国际性的画家。你们还年轻,要往远的地方想,要有跨越疆界的企图心,不是做中国的画家,也不是做欧洲的画家,而是要做国际性的画家。

现在你们的画还有个主题的问题,是想让别人看得懂,这个问题也要看是在什么程度上给什么人看,有的人看不懂,有的人会看懂,取决于每个人的文化理解程度。

你不能说范宽、米芾只是中国的画家,他们肯定是世界性的画家。毕卡索你能说他只是西班牙的画家吗?他是属于大家的啊。哪里是东方,哪里是西方,现在都分不开了。
我觉得世界变得越来越小,将来还会更小,不要把自己放在一个圈套里。

最重要的是坚持你自己,为自己画画。画画是自己的语言,你把自己的语言讲出来,要尽量明瞭中肯,萝哩萝唆的别人就听不懂。当然,有的时候只要自己懂就行了,以后别人也会慢慢瞭解的。

美学的观点常常跟着时代在变,时代不同,观念也不同,文艺复兴时期寻找的美,同我们现在所寻找的美不一样。不过,世界上最好的画,最棒的杰作,即使换了时代也还是存在的。

你们要想办法闭上眼睛,不要看低级趣味的东西,自己画自己的。

我想绘画的问题,同社会的背景,生活的环境,和科学的进步都有关系,同文学、音乐、舞蹈、电影都有关系。我们对于来自各方面的影响都应该接受,这些观念上的东西对于艺术创作都会有帮助的。

说到艺术欣赏,假如看不到国外的东西,你就多看中国的好东西。中国的好东西很多,你可以在商周铜器裡发现好东西,在唐宋陶瓷裡发现好东西。艺术这事,总是要往高看,不要往底下看。

每代有每代的问题,二十世纪的画家怎能去画十八世纪的画呢,绘画问题是一生的问题,问题总是不断的产生。一个人生活在二十世纪,却对新时代的文化观念不了解,或是不愿意了解,我觉得很不妥。艺术创作,应该与时代有关系。

还有,也不要去将就别人的趣味,因为别人的趣味又有什么标淮呢?你在十个人裡面也不能讨好两个人吧,何必呢!我们在法国画画也是不容易讨好人的,不要以为法国人的艺术品味就高,一般的人都是差的,什么国家都一样,只有很少的人能够懂你的画的。不要因为你成名了就会有很多的观众,没有这么简单的事情,说有很多人懂你的画,那是骗人的。

总之艺术不能脱离传统,不能仅仅追求时髦,一切要等五十年或一百年后再做定论。

11.不要抄,要消化

当你模仿时,你是不会了解自己的,不会懂得发掘并表现自己的不同。

不要重複前人,也不要重複自己,那将腐蚀你的创造力,成为一种反覆使用的既定程式。

你看中国的书法也是在不停地演变,石鼓文,篆,隶,楷,草……

为什么现在的书法没有以前的好呢?当然是创造精神比较少的关系,是受到王羲之、米芾的限制太多了。

中国画为什么进步不大,还在仿唐宋的味道?唐宋的画家也是在画自然生活中体会到的东西,并不是抄别人。为什么我们还在抄?

我们中国有非常深厚丰富的传统,比如商周青铜器,汉魏的石刻玉器,唐宋的绘画书法这一大套。中国这么博大的传统若不好好利用,岂不太可惜了。

每一个人只要从中找出一部分自己最喜欢的,跟自己性格最接近的,把它消化;然后再学习西方好的东西,而不要他们俗媚的东西。把东西两方面最好的东西结合起来,再加上自己的个性,慢慢地自然而然地融合起来,那你的风格就会有了。

临画是要去理解作画人当时的心境,不要抄,不要临表面皮毛的东西。比如中国画,不要仅仅临结构,要临他的呼吸和精神。要去理解认识塞尚,马蒂斯,毕卡索,不能只学人家的外表形式。一个创造型的画家总在变,你临他的外表是跟不上的。

12.面向你的时代

我觉得现在绘画的问题不是中国或者欧洲和美国的问题,而应当是国际

性的问题。所以中国画和西洋画不应当分得太清楚,而是应该在一起考虑,西方的素描是基础,我们中国画毛笔字是基础,我觉得中国画和西洋画没有衝突,可以互相帮助,互相补充,分得很清是不通的。不能说我是我画水墨的,你是画油画的,他是做雕塑的……

我以为有两种画家,一种是地方性的画家,一种是国际性的画家。你们还年轻,要往远的地方想,要有跨越疆界的企图心,不是做中国的画家,也不是做欧洲的画家,而是要做国际性的画家。

你不能说范宽、米芾只是中国的画家,他们肯定是世界性的画家。毕卡索你能说他只是西班牙的画家吗?他是属于大家的啊。哪裡是东方,哪裡是西方,现在都分不开了。
我觉得世界变得越来越小,将来还会更小,不要把自己放在一个圈套裡。

美学的观点常常跟著时代在变,时代不同,观念也不同,文艺复兴时期寻找的美,同我们现在所寻找的美不一样。不过,世界上最好的画,最棒的杰作,即使换了时代也还是存在的。

我想绘画的问题,同社会的背景,生活的环境,和科学的进步都有关系,同文学、音乐、舞蹈、电影都有关系。我们对于来自各方面的影响都应该接受,这些观念上的东西对于艺术创作都会有帮助的。

每代有每代的问题,二十世纪的画家怎能去画十八世纪的画呢,绘画问题是一生的问题,问题总是不断的产生。一个人生活在二十世纪,却对新时代的文化观念不瞭解,或是不愿意瞭解,我觉得很不妥。艺术创作,应该与时代有关系。

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